ARTE

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La vida es una misión secreta

Este libro es un acto de justicia poética. Porque, por más acostumbrados que estemos a pensar en el Indio como un hombre de palabra(s), lo cierto es que siempre ha sido un artista visual que produce su poesía como pintor antes que como escritor. En su decisión de iluminar esas palabras que creíamos tan familiares, Serafín procede convencido de que detrás de lo que el Indio escribe siempre hay imágenes; de que todo lo que canta es para conjurar visiones, para forzarnos a ver algo en lo que antes no habíamos reparado.

Este libro es una suerte de bestiario del siglo XXI, un catálogo de criaturas que la realidad desmiente pero que nuestra alma, que sabe mejor, halla indiscutibles. Así que abran bien los ojos y préstense al trip. El juego es expandir la conciencia con las herramientas de que disponemos, en este caso el arte y la imaginación.

Entre las palabras y las imágenes que viven en estas páginas hay elementos para que cada lector/a descifre y atesore, en clave de la misión a completar para consumar la vida que arde en nosotros. Marcelo Figueras

Nuevamente, como en Escenas del delito americano, el Indio Solari y el artista gráfico e historietista Serafín colaboran para darle forma a un hipnótico álbum gráfico inspirado en la obra del primero. El Indio aporta las letras de veinticinco de las canciones de su trabajo al frente de la banda Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, versos que son objeto de adoración y múltiples interpretaciones por su enorme legión de seguidores. Serafín las reinterpreta y adapta con su enorme destreza y el lirismo que caracteriza sus dibujos.
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Gardel
GARDEL es una biografía magistral que está a la altura de un artista brillante. Un trabajo minucioso y extraordinario que, manufacturado con la destreza y el sello prestigioso de Felipe Pigna, relata la vida de un artista único, que, por si fuera poco, tuvo una vida fascinante. La gloria y la tragedia. El talento y las historias inolvidables. La música del alma. Como bien anticipa el autor en la introducción: “Tenía muchas ganas de escribir esta historia, quizás una historia argentina entre 1890 y 1935, des-de Gardel, desde su vida y su obra, hablando necesariamente de la historia del tango, pero también de todo lo que nos pasó y lo que le pasó al mundo en esos años fundamentales. Me parece mucho más interesante hablar del hombre que cambió la historia del tango, del que fue, como bien él decía, su primer «intérprete», es decir, el primero en entenderlo plenamente, en traducir claramente lo que cada poeta quiso decir, viviéndolo intensamente. El primer argentino del siglo XX en trascender a niveles poco comunes en España, Francia, los Estados Unidos y casi toda Latinoamérica”. Gardel incluye los misterios de su vida del hombre que cambió al tango para siempre, al artista que trascendió a niveles desconocidos en un tiempo de largas distancias. También al Gardel actor, filmando en París y en Nueva York, atento a los guiones y creando melodías para sus películas, dando lo mejor de sí para su público que se extendía cada día. Y al mito popular que provocó una psicosis con su muerte accidentada, el periplo de su cuerpo que pasó por la selva colombiana, tuvo un velorio en Nueva York y también en el Luna Park. El homenaje que el genio, dueño de una sonrisa y una voz inigualables, merecía.
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Brilla la luz para ellas
Romina Zanellato se propone narrar por primera vez en forma integral la participación de las mujeres en el rock argentino. ¿Quiénes fueron las pioneras? ¿Cuál fue la tradición rockera femenina que se fue gestando desde los años 60 hasta nuestros días? ¿Por qué la historia casi no las registra? Esta también es la historia de lo que no fue. A las mujeres les llevó décadas poder subirse a un escenario, conseguir atención y respeto de la prensa especializada, convencer a los productores (varones) para que las grabaran, esquivar los botellazos de parte del público y, finalmente, tener su lugar en la historia del rock. Romina Zanellato, periodista especializada en música y feminismo, encaró una profunda investigación para enfocar la luz sobre la historia de ellas, las que estuvieron allí desde el principio, y las opresiones que sufrieron para poder hacer su música. Esta crónica de casi sesenta años de rock incluye fotografías inéditas y desconocidas de las protagonistas y una playlist que acompaña la lectura del libro. La historia arranca con los primeros acordes del rock nacional, a fines de los 60 y los 70, con pioneras casi olvidadas como Cristina Plate, Gabriela, Carola, Mirtha Defilpo o María Rosa Yorio. En los 80 las mujeres comenzaron a ganar una parte mayor de la escena con íconos como Fabiana Cantilo, Celeste Carballo, Patricia Sosa y muchas otras. A partir de los 90 la participación femenina se multiplicó y se diversificó en numerosos generos y estilos, tanto dentro del mainstream como del under, que se convirtió en un refugio para las mujeres, históricamente relegadas del primer plano. Un cierre simbólico del recorrido es el Premio Gardel de Oro en 2019 a Marilina Bertoldi. Los micrófonos no son de nadie, aunque durante muchos años estuvieron encendidos solo para los varones. Brilla la luz para ellas recupera la historia de mujeres y feminidades músicas, periodistas de rock, managers, trabajadoras de prensa, fotógrafas, técnicas y todas aquellas que pelearon por un lugar en la industria musical. El rock fue una forma de rebelión para ellas, dentro de la rebelión que implica ser rockerx. Discutieron el deber ser, siguieron su deseo, conquistaron espacios y permitieron que otras creyeran que era posible ser parte de la música, no solo como escuchas. Este libro es un homenaje para ellas y las que vendrán. "Este libro de Zanellato se propone hacer arqueología de qué papel jugaron las mujeres en el rock hasta ahora. Y con el impulso de la turgencia feminista, proyecta un futuro mejor para una música y una cultura que necesitaba deconstruirse". Pablo Schanton, Revista Viva.
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Éramos unos niños
Fue el verano en que murió Coltrane. Los hippies alzaron sus brazos vacíos y China detonó la bomba de hidrógeno. Jimi Hendrix prendió fuego a su guitarra en Monterey. Fue el verano del amor. Y en aquel clima cambiante e inhóspito, un encuentro casual cambió el curso de mi vida: fue el verano en que conocí a Robert Mapplethorpe. Era el mes de julio de 1967 y eran unos niños, pero a partir de entonces Patti Smith y Robert Mapplethorpe sellaron una amistad que solo acabaría con la muerte del gran fotógrafo en 1989. De eso habla este espléndido libro de memorias, de la vida en común de estos artistas, los dos entusiastas y apasionados, que cruzaron a grandes pasos la periferia de Nueva York para llegar hasta el entro neurálgico del nuevo arte. Fue así que acabaron instalándose en el hotel Chelsea y se convirtieron en los protagonistas de un mundo hoy ya perdido donde reinaban Allen Ginzberg, Andy Warhol y sus chicos, y se creaban las grandes bandas de música que marcaron los años finales del siglo XX., mientras el sida hacía estragos. Lejos de ser un libro triste y nostálgico, Éramos unos niños es un homenaje a la amistad sin trabas, y sus páginas cargadas de vitalidad y humor nos devuelven el sabor de esa gran ciudad donde hubo un tiempo en que casi todo era posible. Eramos unos niños es una oda a Mapplethorpe, pero también es una carta de amor al arte de los años setenta en Nueva York. -Time Out New York
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De la trama al relato
Existe una mitología muy extendida que entiende a la creación literaria como el resultado de la súbita inspiración del escritor. Esta concepción romántica del hecho creativo aleja a la obra de su productor, pues su origen queda oculto en la ´llamada de las musas´. Entender a la escritura como un proceso, por el contrario, permite situarla en el lugar del trabajo. Como señala Joyce, cada obra literaria es un “work in progress”, en donde deben ponerse en juego diversas facetas que acompañan el proceso de escritura: la planificación, la corrección, la investigación. Identificar los mecanismos de construcción de los textos, reconocerlos y dominarlos es lo que le permite al escritor ser quien conduzca, efectivamente, su escritura en función de sus objetivos. De la trama al relato. Teoría y práctica del taller de escritura reúne y analiza experiencias de trabajo que van desde la crónica urbana hasta la entrevista, pasando por el cuento, la novela, la autobiografía y el diario de escritor. También aborda cuestiones fundamentales para la creación literaria: la observación, la construcción del verosímil, el extrañamiento, la creatividad. Fruto de una experiencia de muchos años, el libro reúne trabajos de investigación en torno a la enseñanza de la escritura en la Universidad, pero su utilidad no se limita a este ámbito. Los textos que forman parte de este libro son una herramienta fundamental para todo aquel que busque abordar la práctica del taller de escritura —en los claustros, pero también en espacios informales, en otros niveles educativos, individualmente— de una manera integral: no solo a través de la práctica, sino también desde el fundamento de la teoría. Incluye ensayos de Carlos Aldazábal, Fernanda Aren, Osvaldo Beker, Carolina Bruck, Laura Di Marzo, Magdalena Giovine, Betina González, Silvana Meta, Alicia Montes, Ana Sarchione, Adriana Semelman, Patricia Somoza y Teresita Vernino.
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La sopa en la mosca
La Sopa en la Mosca. Ejercicios creativos de escritura es la materialización de 8 años de trabajo, talleres, muestras, charlas, juegos, poesía, y música por parte de Gabriela Hochman y Josefina Salazar, profesoras y licenciadas en Letras. A partir de una gran variedad de ideas y actividades creativas interdisciplinarias, atravesadas siempre por la escritura, el libro-taller-herramienta busca despertar las palabras que habitan en cada unx: escribir con otrxs, escribir en el piso, escribir sin palabras, escribir con todo el cuerpo, no escribir, copiarse, volver a escribir. Todo vale cuando se trata de expresar la creación que llevamos dentro, sin esperar sentado a que las ideas lleguen. Un material muy valioso para educadores, artistas, talleristas, proyectistas y cualquier persona que esté interesada en la creación y el pensamiento lateral. Por si fuera poco, la propuesta va mas allá de un libro tradicional, y el diseño es una pata fundamental: viene con instrucciones de uso, codificaciones, indicaciones, ejemplos y un montón de cosas por descubrir
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Breve historia del cine
Accesible, concisa y de fácil lectura, esta guía ofrece a los cinéfilos un nuevo modo de disfrutar de sus películas favoritas y de descubrir nuevos títulos. Descubra cómo la invención de la imagen en movimiento dio lugar a una forma de expresión artística sofisticada y creativa que atraviesa todas las culturas. El libro se divide en cuatro capítulos: "Géneros", "Películas", "Movimientos" y "Técnicas". Se pueden leer de forma sucesiva o independiente unos de otros. Las remisiones en la parte inferior de cada página muestran las conexiones con las otras secciones del libro, mientras que en los cuadros informativos se abordan las principales aportaciones, los avances, los antecedentes y el contexto de cada filme y cineastas. * Guía de bolsillo de géneros, películas, movimientos y técnicas fundamentales. * Una nueva e innovadora introducción al arte de la cinematografía. * Analiza 50 películas fundamentales, desde taquillazos de superhéroes hasta comedias clásicas, musicales y falsos documentales, y los relaciona con los géneros, los movimientos y las técnicas cinematográficas más importantes.
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Conquista de lo inútil

Por motivos que me son desconocidos, no me fue posible siquiera leer los diarios que escribí durante mi trabajo en la película Fitzcarraldo. Hoy, veinticuatro años más tarde, me resultó fácil, aun cuando técnicamente no fue sencillo descifrar la propia letra, que en aquel entonces estaba reducida a un tamaño microscópico.

Estos textos no son un informe de filmación –apenas si se la menciona–, y diarios son sólo en el sentido más amplio: son otra cosa, más bien paisajes interiores, nacidos del delirio de la jungla. Pero tampoco de eso estoy seguro.

W. H. Enero de 2004
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Contra el canon
La caída de París durante la Segunda Guerra Mundial marca un punto de quiebre en la historia cultural: el mundo del arte se convierte en un espacio sin centro. Con la Europa devastada, el impulso utópico, la imaginación de que era posible delinear un futuro para las formas, se traslada y comienza a producirse en escenarios diversos. Tras la posguerra, y especialmente desde los años sesenta, la transformación de los lenguajes propia de las vanguardias y neovanguardias se despliega desde distintas escenas en una trama de simultaneidades: en todas partes y al mismo tiempo. Poniendo el foco en el arte latinoamericano, Andrea Giunta utiliza una mirada comparada que logra romper el modelo evolutivo y demostrar que la innovación no se produce en un lugar y luego se replica en otro, como un mecanismo que irradia desde los centros hacia las periferias. El territorio en el que pone a prueba sus hipótesis es amplio: las vanguardias de posguerra en Buenos Aires, México y Brasil; el indigenismo y su reapropiación de tradiciones, de Xul Solar y Torres García a Punto poncho; la trama poscolonial en la obra de Mohamedi y la abstracción brasileña; Joan Miró y la solidaridad con Chile; los argumentos y la plataforma del feminismo de la segunda ola en la serie Ramona de Berni y la filmografía de Godard; los años sesenta y la explosión del happening, entre Guerra Fría, revolución y dictaduras. Contra el canon retoma las palabras con que las diversas poéticas situadas se nombraron a sí mismas para desarticular las lecturas históricas concebidas desde los centros. El desafío es generar las categorías analíticas para desprenderse de la lógica ordenada por las miradas hegemónicas, pero también de los intentos de revertir el esquema de valores acentuando la potencia de lo local. Se trata de contradecir el canon y sacudir las versiones tradicionales del arte latinoamericano. Se trata, en fin, de comprender las simultaneidades para decir adiós a la periferia.
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Spinetta. Ruido de magia
Desde que el primero de los Spinetta puso un pie en Buenos Aires la historia de la música argentina se transformó para siempre. Porque la vida de un artista de la dimensión de Luis Alberto excede su obra: es necesario contar al hombre para recuperar su escala humana. Un hombre, es sabido, se explica por él mismo pero también por quienes lo anteceden y le siguen, por quienes lo rodean y rodearon, por el tiempo que le tocó en suerte vivir, el heredado y la manera en la que se conjuga en futuro. Por eso Ruido de magia es una biografía definitiva. Porque cuenta con la entera colaboración de su familia, el testimonio de sus dos hermanos, sus cuatro hijos y la madre de ellos, Patricia Zalazar. Porque en más de cien entrevistas a familiares, músicos, amigos y gente allegada, Sergio Marchi recompone con pulso preciso una época que va más allá del rock para anclar en todos y cada uno de los pasos de Luis Alberto Spinetta: sus nutrientes musicales, sus primeros contactos con la guitarra, las experiencias iniciáticas con sus amigos, la creación de Almendra, la experimentación con las drogas, su misterioso viaje a Francia, del que trae el germen mutante de Pescado Rabioso; la verdadera historia de Artaud, la generación espontánea de Invisible, su vuelco al jazz, su disco en Estados Unidos, la exploración de Jade, su compleja relación con Charly García, la odisea de Los Socios del Desierto, sus batallas con la industria discográfica, sus amistades, sus enfados, sus alianzas. Ruido de magia es fruto de una investigación rigurosa. Un libro indispensable que despeja misterios y equívocos, atento a ese latido único que le permitió a Spinetta crear una música y un universo absolutamente propios, capaces de tocar las notas más sensibles del espíritu humano.
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